Blommen

En waarom naar bloemen kijken

Et pourquoi regarder les fleurs

Sag mir, wo die Blumen sind

Mädchen pflückten sie geschwind

Wann wird man je versteh'n?

Wann wird man je versteh'n?

Avant d’aborder les artistes contemporains qui réalisent des « œuvres florales », mettons de côté le romantisme qui entoure les fleurs.

Ces dernières années ont été marquées par des reportages réguliers sur la culture des fleurs, en particulier aux Pays-Bas, qui, en plus d'être un grand producteur de tulipes, est également un acteur mondial du commerce et de la culture des fleurs à l'étranger. L'industrie des fleurs évoque aujourd'hui des souvenirs du colonialisme, tels que les abus commis dans les plantations d'épices de l'Organisation des Nations-Unies pour l'alimentation et l'agriculture. En effet, la culture des fleurs dans les pays dits du tiers-monde pose de nombreux problèmes. Selon l'O.N.S., l'utilisation excessive de produits toxiques et d'eau entrave la production alimentaire locale. Les conditions de travail dans les plantations de fleurs sont médiocres. Les entreprises néerlandaises, qui sont largement impliquées dans la culture en Afrique et en Amérique du Sud, ont promis une amélioration dans un accord. Mais Nature & Milieu et l'organisation de labellisation Max Havelaar, qui a participé à l'élaboration de cette convention en 2019, n'ont pas voulu le signer. Max Havelaar estimait que les dispositionsn'allaient pas assez loin, tandis que Nature & Milieu ne connaissait pas suffisamment cette industrie étrangère pour en tirer des conclusions en toute conscience.

Pendant ce temps, les affaires continuent dans des pays comme le Kenya, l'Éthiopie et la Colombie, où de nombreuses entreprises néerlandaises ont installé des sites de production et exportent dans le monde entier. Dans les champs, les travailleurs, pour la plupart des femmes, sont mal payés tandis que des poisons interdits aux Pays-Bas sont pulvérisés. En outre, une grande quantité d'eau rare est utilisée, ce qui fait que la culture des fleurs laisse trop peu de terres et d'eau aux populations locales pour qu'elles puissent cultiver des produits alimentaires.

Une rose est une rose est une rose

Le climat outre-mer permet de cultiver des fleurs et des plantes tout au long de l'année à moindre coût. C'est pourquoi les entreprises florales néerlandaises, en particulier les producteurs de roses, se sont presque entièrement délocalisées vers les pays d'Afrique et d'Amérique du Sud au cours des dernières années.

Ainsi la rose est à l'origine d'une immense tragédie. La fleur des fleurs, symbole d'amour et de paix, est cultivée par des femmes qui risquent le cancer à cause du pesticide pulvérisé, tandis que « leurs » hommes doivent arpenter les rues et les terrasses dans des conditions désastreuses pour vendre ces fleurs pour une bouchée de pain, alors que les marchands de fleurs comptent leurs bénéfices.

Et pourtant, malgré l'amère réalité qui se cache derrière la rose, le symbolisme autour de cette fleur des fleurs reste intact.

La question est de savoir si le symbolisme de la rose est aussi univoque.

Lorsque Gertrude Stein a créé le vers « Rose is a rose is a rose is a rose » en hommage à son amie, elle a déclaré plus tard dans une interview : « Écoutez, je ne suis pas idiote. Je sais que dans la vie de tous les jours, on ne se promène pas en disant « c'est un ... est un ... est un .... Oui, je ne suis pas une imbécile, mais je pense que dans ce vers, la rose est rouge dans la poésie anglaise pour la première fois depuis cent ans ».

Alors que Stein s'intéressait au pouvoir évocateur de la rose, à sa capacité à figurer la couleur rouge par le langage, le vers, sous sa forme abrégée, a pris une vie propre. Et sous cette forme abrégée, il s'avère soudain qu'il s'agit d'univocité, car « une rose est une rose est une rose » est souvent interprété comme « les choses sont ce qu'elles sont », une référence à la loi d'identité de la logique, à savoir « A est A ».

Selon Stein, « une rose est une rose... » signifie également que le simple fait d'utiliser le nom d'une chose évoque les images et les émotions qui lui sont associées.

La rose et la rose rouge de Stein montrent comment fonctionne l'imagination associative. Le cliché « pas de roses sans épines » fait allusion au danger et au côté sombre de la beauté, comme la rose dans la plantation en Afrique ou dans le bouquet du vendeur ambulant d'Amsterdam.

Comme aucune autre, la rose, et par extension la fleur, incarne le paradoxe et la contradiction. La fleur est une fleur. Mais la fleur n'est pas non plus une fleur.

La fleur est la beauté, mais elle est aussi le signe avant-coureur de la décrépitude, de la mort.

Dans les Vanités baroques, parmi les sabliers, les crânes, les bougies, les miroirs, ... les fleurs sont presque toujours présentes. En référence au verset « vanité ô vanité, tout est vanité » de l'Ecclésiaste dans la Bible, les fleurs symbolisent la beauté momentanée des choses.

La nature morte Vanitas avec fleur et globe de Marie van Oosterwijck (1630-1693) est bien connue. Plus intéressant encore est son Vase avec tulipes, roses et autres fleurs avec insectes de 1669, dans lequel elle démontre non seulement ses connaissances botaniques acquises à l'université Hortus Botanicus, mais aussi ses connaissances en matière d'insectes. Les mouches volantes et les coléoptères qui ornent ses luxuriantes compositions florales étaient à l'époque tolérés dans les intérieurs bourgeois. La composition florale de Van Oosterwijck est donc plus qu'une peinture plaisante. Avec ses fleurs peintes, belles et réalistes, elle suscite le besoin de connaître la faune et la flore et, comme dans ses autres vanités, elle évoque en même temps la finitude et le caractère éphémère de cette beauté et de cette vie.

L'intelligence des peintures de genre de van Oosterwijck réside dans son esthétique éblouissante. Cela permet de voir les tableaux comme de simples représentations virtuoses, presque photographiques, de la réalité, tout en ignorant ou en oubliant la lecture inconfortable et symbolique de la scène. Ou alors, tout simplement, le symbolisme vous échappe.

Mais il peut aussi se passer autre chose.

Lorsque le critique d'art Marc Donnadieu évoque le tableau Einder/horizon (2000-2008) de Marlène Dumas, il pense aux nénuphars monumentaux de Claude Monet.

À propos d'Einder, Marlène Dumas explique qu'elle a voulu faire le portrait de sa mère sans la peindre. Dumas peignait souvent des fleurs pour sa mère. Mais lorsqu'elle a vu ces fleurs sur le cercueil de sa mère, l'idée de peindre quelque chose sans fin lui est venue à l'esprit.

Dumas a peint Einder avec son coup de pinceau rapide bien connu, les fleurs devenant des taches de couleurs vives, le cercueil disparaissant dans les coups de peinture noirs et bleus.

Tout l'espace autour du cercueil est sombre, ce qui donne l'impression que les fleurs flottent. Cette ambiguïté visuelle du tableau de Dumas a conduit Donnadieu à Monet : « Le fond est composé de grands gestes étirés d'un noir profond sur des nuances de bleu presque phosphorescentes, plus évidentes au-delà d'une ligne à peine marquée. Chaque fleur est soulignée par des virgules claires empruntées à celles de Claude Monet. L'artiste devient ici plus « floutiste » que « nettiste », pour reprendre les termes de l'argumentaire esthétique en vogue à la fin du XIXe siècle. Mais un flou qui n'est pas une brume atmosphérique, comme chez Turner ou Carrière, ou un délicat brouillage des contours comme chez Fantin-Latour ou Corot, mais un savant travail du blanc et du vide, presque cézannien ».

Voilà donc comment on peut considérer les fleurs dans l'art. Dommage que Donnadieu ne cite que des références historiques et stylistiques. Ainsi, il semble que Dumas, à l'instar des Impressionnistes, ne se soit préoccupé que de saisir avec virtuosité les effets visuels de la couleur et de la lumière.

La beauté n'est donc pas seulement dans l'œil de celui qui regarde. Le sens, le ressentiment, l'indiscipline, la critique, ...dépendent en grande partie du regard du spectateur.

« Oui, je ne suis pas une imbécile, mais je pense que dans ce vers, la rose est rouge dans la poésie anglaise pour la première fois depuis cent ans ». Alors que Stein s'intéressait au pouvoir évocateur de la rose, à sa capacité à figurer la couleur rouge par le langage, le vers, sous sa forme abrégée, a pris une vie propre. Et sous cette forme abrégée, il s'avère soudain qu'il s'agit d'univocité, car « une rose est une rose est une rose » est souvent interprété comme « les choses sont ce qu'elles sont », une référence à la loi d'identité de la logique, à savoir « A est A ». Selon Stein, « une rose est une rose... » signifie également que le simple fait d'utiliser le nom d'une chose évoque les images et les émotions qui lui sont associées.

La rose et la rose rouge de Stein montrent comment fonctionne l'imagination associative.

Le cliché « pas de roses sans épines » fait allusion au danger et au côté sombre de la beauté, comme la rose dans la plantation en Afrique ou dans le bouquet du vendeur ambulant d'Amsterdam. Comme aucune autre, la rose, et par extension la fleur, incarne le paradoxe et la contradiction.

La fleur est une fleur.

Mais la fleur n'est pas non plus une fleur. La fleur est la beauté, mais elle est aussi le signe avant-coureur de la décrépitude, de la mort. Dans les Vanités baroques, parmi les sabliers, les crânes, les bougies, les miroirs, ...les fleurs sont presque toujours présentes. En référence au verset « vanité ô vanité, tout est vanité » de l'Ecclésiaste dans la Bible, les fleurs symbolisent la beauté momentanée des choses. La nature morte Vanitas avec fleur et globe de Marie van Oosterwijck (1630-1693) est bien connue.

Plus intéressant encore est son Vase avec tulipes, roses et autres fleurs avec insectes de 1669, dans lequel elle démontre non seulement ses connaissances botaniques acquises à l'université Hortus Botanicus, mais aussi ses connaissances en matière d'insectes. Les mouches volantes et les coléoptères qui ornent ses luxuriantes compositions florales étaient à l'époque tolérés dans les intérieurs bourgeois. La composition florale de Van Oosterwijck est donc plus qu'une peinture plaisante. Avec ses fleurs peintes, belles et réalistes, elle suscite le besoin de connaître la faune et la flore et, comme dans ses autres vanités, elle évoque en même temps la finitude et le caractère éphémère de cette beauté et de cette vie.

L'intelligence des peintures de genre de van Oosterwijck réside dans son esthétique éblouissante. Cela permet de voir les tableaux comme de simples représentations virtuoses, presque photographiques, de la réalité, tout en ignorant ou en oubliant la lecture inconfortable et symbolique de la scène. Ou alors, tout simplement, le symbolisme vous échappe…

Ou les mauvaises herbes entre les pavés ?

Ou pensez-vous aux œillets, tels qu'ils ont été mis dans le canon des fusils en 1974 lors de la révolution des œillets au Portugal ?

Sag mir wo die Blumen sind

Où sont passées les fleurs ?

Et les filles qui cueillent les fleurs ? Où sont passés les garçons ? Les soldats ? Où sont passées les tombes ? Et les fleurs qui se balancent dans la brise d'été ?

La chanson Sag mir wo die Blumen sind s'insinue en vous comme un perce-oreille. L'auteur-compositeur-interprète américain Pete Seeger a écrit Where Have All the Flowers Gone (Où sont passées toutes les fleurs) comme une chanson anti-guerre en 1955, mais ses répétitions obsédantes lui ont rapidement donné le statut d'hymne. Marlene Dietrich a rendu cette chanson immortelle, d'autant plus qu'elle passe sans problème de l'anglais à l'allemand et vice-versa. C’est précisément en chantant à la fois dans la langue des criminels de guerre et dans celle des victimes que la folie de la guerre et le massacre de la vie des garçons et des filles se sont incarnées dans la beauté et la vulnérabilité des fleurs.

Tell me where the flowers are, grâce au pouvoir de la poésie, transcende tout ce qui est désuetet romantique, mais montre surtout qu'une fleur, qui se balance innocemment dans le vent, raconte soudain une histoire complètement différente et que, contrairement à une rose, elle est tout sauf un objet univoque.

Certainement pas dans les mains d'un artiste visuel, ni dans celles d'un poète.

Par exemple, avec « Blomme schone Blomme, ge stinken verdomme... », Guido Gezelle a juxtaposé charme et puanteur en deux vers pour tenter de capturer l'essence du pissenlit.

Cette ambivalence rend le travail avec les fleurs, gracieuses ou non, pertinent.

La flore

Tout comme Dumas s’attaque à la culture visuelle irrésistible des médias, Jef Geys crée depuis les années 1960 des œuvres dans lesquelles il étudie l'image en tant qu'image, copie, reflet de la réalité, ...et nous confronte au mensonge et à la manipulation des médias populaires et commerciaux. Avec ses sacs de graines de fleurs, Geys peint soi-disant d'après nature, mais en fait il ne peint pas la flore vivante. En fait, il copie, utilise la peinture à l'huile en reproduisant fidèlement les fleurs, y compris les noms reproduits sur les sachets de graines.

Ainsi, chaque année depuis 1963, Geys réalise deux tableaux d'un sachet de graines de fleurs (ou de légumes). Ces sachets, bien sûr, ne représentent pas la graine mais la reproduction photographique d'une fleur. Il a commencé cette série, composée d'une petite peinture sur toile et d'une grande peinture émaillée sur panneau, lorsqu'il a remarqué, en jardinant, que les plantes qui poussaient à partir de ses semis ne ressemblaient pas souvent à l'image figurant sur le sachet de graines. Le message de Geys est cependant clair : avec sa série de peintures hyperréalistes, il thématise la tension entre l'image, la reproduction et la réalité. Il ne s'agit pas tant d'un problème esthétique que d'un problème social. Plus tard, dans le pavillon belge de la Biennale de Venise, son projet Quadra Medicinale montrait des herbiers de « mauvaises herbes » provenant de diverses métropoles.

Des plantes qui poussent entre les pavés et qui sont non seulement comestibles, mais qui produisent aussi de jolies fleurs. Le problème est que certaines plantes, et donc leurs fleurs, sont cataloguées comme mauvaises herbes, alors qu'elles sont comestibles et pourraient en principe nourrir les personnes vivant dans la rue.

En attirant l'attention sur les plantes et les fleurs qui poussent « à l'état sauvage » dans une ville, Geys montre comment l'entreprise humaine de catalogage et d'étiquetage rejette de manière extrêmement irréfléchie des plantes et des fleurs comme étant des mauvaises herbes. Quadra Medicinale montre surtout l'attitude schizophrénique de l'homme à l'égard de la nature. Comme souvent dans le travail de Geys, cette installation déclenche un processus de prise de conscience.

Cela peut sembler quelque peu ésotérique, mais Berger en vient rapidement au fait : « Dans l'ordre mondial totalitaire du capitalisme financier spéculatif dans lequel nous vivons, les médias nous bombardent sans cesse d'informations, mais ces informations sont surtout une diversion planifiée, détournant notre attention de ce qui est vrai, essentiel et urgent ».

En d'autres termes, Berger regarde les fleurs et les dessine parce que, contrairement aux médias qui nous induisent en erreur et nous manipulent, c'est là qu'il croit trouver la vérité.

Berger, qui n'a jamais caché son engagement pour un monde meilleur et plus humain, et qui a aussi résolument soutenu le peuple de Palestine, devient rapidement idéologique dans son texte, qui donne immédiatement au dessin de fleurs un caractère militant et politique : « Les politiciens, de gauche comme de droite, continuent à débattre, à voter, à adopter des résolutions, comme si de rien n’était. De ce fait, leur discours ne renvoie à rien et est sans conséquence. Les mots et les termes qu'ils utilisent de manière récurrente - tels que terrorisme, démocratie, flexibilité - ont été vidés de leur sens. Leurs publics à travers le monde suivent leurs têtes parlantes comme s'il s'agissait d'un interminable exercice scolaire ou d'un cours d'apprentissage de la rhétorique ! Foutaises ».

Il s'intéresse ensuite à une autre facette de l'information dont nous sommes bombardés. Il souligne que les médias se concentrent sur les événements spectaculaires, choquants et violents qui se produisent partout dans le monde.

Vols, tremblements de terre, bateaux chavirés, soulèvements, massacres.

Une fois montré, écrit-il, un spectacle en remplace un autre. Il y a rarement des explications patientes ou des réflexions après-coup. Ce sont des chocs, pas des histoires. Ils nous rappellent l'imprévisibilité de ce qui peut arriver. Ils nous montrent les facteurs de risque de la vie. Berger nous fait ensuite remarquer qu'en plus de la violence visuelle, les médias quantifient surtout les événements mondiaux, les réduisent à des chiffres, en faisant abstraction des personnes et de l'humanité : « À cela s'ajoute la pratique linguistique utilisée par les médias dans leur présentation et leur description du monde. Elle est très proche du jargon et de la logique des experts en gestion. Elle quantifie tout et fait rarement référence à la substance ou à la qualité. Elle traite de pourcentages, de changements dans les sondages d'opinion, de chiffres du chômage, de taux de croissance, de dettes croissantes, d'estimations de dioxyde de carbone, et cetera, et cetera. C'est une voix qui se sent à l'aise avec les chiffres, mais pas avec les corps vivants ou souffrants. Elle ne parle ni de regrets ni d'espoirs ».

La tentation est ici de reprendre l'ensemble de l'essai de Berger, car ce vieil homme en colère qui dessine des fleurs parvient à saisir comment l'art et le regard sur la nature, ainsi que les fleurs, ont toujours guidé les êtres humains, et ce depuis la préhistoire.

Enfin, Berger écrit que nous ne devons pas oublier que le temps, comme l'ont expliqué Einstein et d'autres physiciens, n'est pas linéaire mais circulaire. « Nos vies ne sont pas des points sur une ligne - une ligne interrompue aujourd'hui par la cupidité à court terme d’un ordre capitaliste mondial sans précédent - ; nous ne sommes pas des points sur une ligne :nous sommes plutôt les centres de cercles. Les cercles nous entourent de testaments qui nous sont adressés par nos prédécesseurs depuis l'âge de pierre, et de textes qui ne nous sont pas adressés mais que nous pouvons apprécier - des textes de la nature, de l'univers - et qui nous rappellent que la symétrie va de pair avec le chaos, que l'ingéniosité l'emporte sur la fatalité, que ce qui est désiré est plus rassurant que ce qui est promis ».

Lire des textes et des messages, tout en dessinant, à partir de la nature, des fleurs, ... Il n'est donc pas surprenant qu'une galerie invite aujourd'hui des artistes qui travaillent avec des fleurs, qui fabriquent des fleurs, les peignent, ou du moins tentent d’en capturer l'âme - saignante ou non - dans une œuvre. Car, John Berger en est conscient, les fleurs ont quelque chose à nous dire.

Koen Van Synghel

traduction par Françoise Foulon

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